The new city of art: Fondazione Prada

Un nuovo salotto milanese sta per aprire i battenti in procinto del nostro EXPO 2015. Il salotto in

questione firmato Prada, sarà il nuovo polo culturale della Fondazione che porta il medesimo nome

della stilista italiana della borsa di tela nera.

L'inaugurazione é fissata per sabato 9 Maggio, con previa settimana di anteprima che va da sabato 2 a venerdì 8 maggio.

Il nuovo stabilimento si troverà in Largo Isarco (zona Porta Romana) e prenderà vita all'interno di una ex distilleria degli anni dieci del novecento, riportato alla modernità dallo studio di architettura OMA capitanato

dall'architetto Rem Koolhas, creatore anche delle scenografie per le sfilate di Miuccia Prada. 

Lo spazio sarà di 19.000 m² di cui ben 11.000 dedicati all'esposizione, insomma una città dell'arte.

Questo salotto si rivelerà un vero e proprio luogo di incontro per i nuovi esponenti dell'arte del XXI secolo, che vanno da curatori a filosofi, da cineasti a pensatori.

Il buongiorno si vede dal mattino, infatti assistiamo ad un mixaggio tra i diversi ambiti, cominciando dal bar che riprodurrà un caffè milanese di inizio '900, creato dal regista Wes Anderson, arrivando fino ad uno spazio didattico per bambini allestito dall'Ecolè national superieure d'Architecture di Versailles.

Inoltre la fondazione si propone di creare mostre d'arte contemporanea, architettura e cinema espandendo il repertorio di tipologia spaziale in cui l'arte si può collocare.

Infatti il regista Roman Polanski sta realizzando un documentario inedito sulla fondazione e sarà presentata   anche una sua rassegna cinematografica.

Sarà interessante dunque il cambio di scenario. Probabilmente, non vedremo più sfilare i modelli di Prada tra costruzioni plastiche che si snodano tra le esili colonne del vecchio spazio di via Fogazzaro, ma già dalla prossima stagione i fashion shows potrebbero essere ambientati in questa vera e propria città dell'arte contenuta tra le mura milanesi.

A new hotspot is about to open, right before our EXPO 2015. The hotspot in question, autographed by Prada, is going to be the  new cultural pole of the foundation that carries the name of the Italian designer of the black canvas bag. 

The inauguration date has been fixed on Saturday the 9th May, after a week of preview starting from Saturday 2 until the 8th of May. 

The new establishment is going to be located in Largo Isarco (Porta Romana area) and it will come to life inside an ex distillery which dates back to the tens. The distillery was brought back to modernity by the architecture studio OMA, led by the architect Rem Koolhas, who also designes the scenography for Miuccia’s  runway shows.  

There is going to be an overall space of 19.000 m², of which 11.000 m²  are dedicated to the exposition, in other words, an authentic city of art.

This new location is hopefully going to be a real meeting point for the new art exponents of the XXI century, from curators to philosophers, from cinematographers to intellectuals.

As we all know, it’s really important to start well the day right in the morning, indeed, we are about to see a mixture of different environments and locations, starting from the bar, which is going to reproduce a coffee typical of the beginning of the ‘900, created from the director Wes Anderson, in addition to a didactic area for children created by the Ecolè National Superieure d'Architecture of Versailles. 

Moreover the foundation intends to create contemporary art, architecture and cinema shows, developing the repertoire of different space typologies where art can be collocated. 

The director Roman Polanski is indeed creating an unreleased documentary regarding the foundation, and a cinematographic exposition of the director is going to be held too.

The change of view is going to be really interesting. We are probably not going to see the Prada models walking the runway through  plastic constructions, twisting and turning trough the slender columns of the old space in Via Fogazzaro, but, instead, already starting from the next season, the shows could be set in this new real city of arts, located inside the walls of Milan

Luca Postacchini

(un)conventional Fashion

Anno dopo anno, stagione dopo stagione, gli stilisti hanno creato e rivelato al pubblico bellissimi, nuovi ed interessanti prodotti: è compito dei clienti, blogger e redattori di moda scegliere quale prodotto diventerà l’icona di quella determinata stagione. Negli anni, l’industria della moda è riuscita a produrre principalmente due tipologie di icone: alcune immortali, ed altre più effimere. Icone senza tempo sono, ad esempio, la conosciuta Birkin Bag di Hermes, il distintivo trench di Burberry, la stylish baguette di Fendi e la famosa borsa Galleria di Prada. La scorsa stagione ha visto l’ascesa dello statement sweater, grazie a brand come Christopher Kane, Balenciaga, Givenchy e Kenzo. Ad ogni modo, la frenesia che ha caratterizzato questi pezzi non è durata a lungo. In generale, però, sia le icone più durature che quelle più effimere hanno due cose in comune: sono difficili da ottenere, ed incredibilmente costose. I maglioni di Kenzo risultarono terminati in tutto il mondo poco dopo il loro primo boom, per non menzionare l’estenuante quantità di tempo che i clienti devono aspettare in modo da poter comprare una Birkin di Hermes. Le icone sono terribilmente desiderate da mandrie di fashionista, che alla fine le compreranno, le indosseranno troppo e le sovraesporranno su ogni singolo social media. Questo fenomeno potrebbe portare ad una situazione molto imbarazzante dove ognuno indossa esattamente le stesse cose. Fortunatamente, visto che solitamente il prezzo di questi pezzi è molto alto, non chiunque può esattamente permettersi di comprarli: ciò significa che, finché i prezzi rimangono alti, possiamo sperare ancora in un po’ di diversità.

Riusciresti ad immaginarti di andare ad una festa, o ad un qualsiasi evento della fashion week, e trovare dozzine di persone che indossano le tue stesse scarpe, i tuoi stessi pantaloni o gioielleria? A me sembra un incubo. Ma, considerando la situazione attuale, questo potrebbe effettivamente accadere – prima o poi. Vivo a Milano, uno dei più importanti nuclei della moda in tutto il mondo, e non potevo semplicemente non notare che oramai le persone tendono a comprare articoli solo perché considerati l'"it-item” di quella particolare stagione, e non perché gli piacciono. Sfortunatamente, questo comportamento ha portato ad una totale mancanza di autenticità, che io ho avuto il “piacere” di notare in prima persona. Un esempio? Durante la stagione Autunno Inverno 2015-2016, letteralmente chiunque ha indossato le famose sneakers Adidas Stan Smith. Scarpe iconiche,  un prezzo moderato,  ed eccovi servito l’inferno. Il punto è che, prima del fashion month, avevo addirittura preso in considerazione di comprare proprio queste scarpe. Ma dopo averle viste ovunque su Instagram, Facebook e in tutta Milano,  ho deciso di non comprarle. Le comprerò appena chiunque altro smetterla di farlo, che è esattamente ciò che ho fatto con i maglioni di Kenzo. Perché alla fine della giornata ciò che importa non è quanti “it-pieces” hai nel tuo armadio, ma la connessione che hai con i tuoi – bellissimi – vestiti.

Durante questa passata stagione ho avuto modo di vedere molto street-style e ciò che mi ha sorpreso di più è stato notare che le stesse persone che l’anno scorso indossavano gli outfit più stravaganti, hanno deciso di presentarsi con outfit molto minimali. Sì, tutti sappiamo benissimo che la stagione Autunno Inverno 2015-16 ha visto un enorme ritorno dello stile minimale – più in strada che in passerella – ma ciò che mi chiedo è: “Come possono le persone semplicemente passare di stile in stile ogni stagione? Non hanno il loro proprio stile distintivo? Il loro personale modo di indossare i vestiti? “. Solo perché lo stile minimale è tornato alla ribalta, dopo stagioni di estrema opulenza, non significa che ognuno debba alterare, trasformare e adattare il proprio stile. Non è che Anna dello Russo avrà improvvisamente una svolta minimale, smettendo di essere – beh - sé stessa.

Giusto?

Year after year, season after season, designers create and reveal to the public beautiful, new and interesting products: it’s up to the customers, bloggers and fashion editors to decide what it’s going to become that particular season’s new iconic item. During the years, the fashion industry usually managed to offer two main kinds of icons: everlasting ones, and more ephemeral ones. Timeless iconic pieces are, as example, the well-known Hermes Birkin Bag, the Burberry signature trench coat, the stylish Fendi Baguette and the famous Prada Galleria Bag. The past seasons saw the rise of the statement sweater, thanks to brands such as Cristopher Kane, Balenciaga, Givenchy and Kenzo. However, the frenzy which characterized these items didn’t last long. Overall, though, both ephemeral and everlasting icons usually have two things in common: they are hard to get, and incredibly expensive. Kenzo sweaters ran out worldwide after their first boom, not to mention the utterly exhausting amount of time that customers have to wait in order to buy a Birkin bag. Iconic items are terribly desired by herds of hungry fashionistas, who will eventually buy them, overwear them and overexpose them on every single social. This phenomenon could lead to a really embarrassing situation where everyone wears exactly the same things. Luckily, since the price of such items is usually really high, not everyone can exactly afford to buy them: which means, that as long as the prices stay high, we can still hope to see some diversity.

Could you imagine going to a party, or to any fashion week event, and find dozens of people wearing your exact same shoes, trousers or jewellery? It sounds like a nightmare. But, considering today’s situation, this might as well happen – sooner or later. I live in Milan, one of the most important fashion centres in the whole word, and I just couldn’t not notice that by now people tend to buy clothing pieces only because considered that season’s “it-item” and not because they actually like them. Sadly, this behaviour led to a complete lack of authenticity, that I had the “pleasure” to notice concretely. An example? During the Autumn Winter 2015-16 fashion month, literally everyone wore the famous Adidas Stan Smith sneakers. Iconic shoes plus moderate price, equals hell. Fact is, that right before fashion month, I had actually started taking into consideration to purchase the very same shoes. But after having seen them all over Instagram, Facebook and Milan, I decided not to. I am going to buy them as soon as everyone else stops to, which is exactly what I did with the Kenzo sweaters. Because at the end of the day, it’s not about how many “it-pieces” you have in your closet, but about the connection you have with your very own – beautiful – clothes.

During fashion month I also saw a lot of street style and what surprised me the most was noticing that  the exact same people who wore the most extravagant outfits last season, were now sporting some really minimal looks. Yes, we all know that the Autumn - Winter 2015-2016 season saw a huge comeback of the minimal style - more on the streets than it did on the runway -  but what am I wondering is: “How can people simply switch from style to style each season? Don’t they have their own signature style? Their personal way of wearing clothes?”. Even though minimal came back to life, after seasons of extreme opulence, it doesn’t mean that everyone’s style needs to change, to be transformed or adapted. It’s not like Anna dello Russo will suddenly have a minimal twist and stop being, well, herself. 

Right?

Alessandro Borin

INTO THE SAVAGE BEAUTY

Da alcune settimane si può già apprezzare la mostra dedicata al “genio ribelle” di Alexander Mcqueen, la mostra chiamata “Savage Beauty” ripercorre la carriera dello stilista attraverso gli abiti più iconici delle sue collezioni. La scelta degli abiti è stata ardua visto che Alexander Mcqueen conta con 19 anni di sfilate e numerosi lavori ma certamente i curatori Claire Wilcox e  Andrew Bolton hanno centrato l’obiettivo infatti hanno messo in mostra ben 100 capi dagli archivi di Givenchy e Alexander Mcqueen.

I capi provengono da diverse collezioni come quella realizzata nel A/I 2009 chiamata “The Horn of Plently Dress” in cui gli abiti avevano colori forti con prevalenti tonalità di rosso, bianco e nero. I capi sfilavano attorno ad una discarica e le modelle sembravano delle figure allucinatorie e mostruose. Un’altra collezione che creò davvero scalpore è chiamata “ VOSS” del P/E 2001 in cui le modelle sfilavano all’interno di un cubo di vetro, sembravano quasi racchiuse all’interno di un manicomio; le modelle con addosso abiti strappati parevano quasi delle pazienti. La sfilata si concluse con l’apertura di un cubo di vetro sporco, che era nel mezzo della passerella, dal quale uscirono falene e insetti e nel quale c’era una donna sdraiata, nuda e dalla fisionomia morbida che aveva il viso coperto da una maschera. La sfilata era un richiamo ad una fotografia di Joel Peter Witkin.

Alexander Mcqueen non solo proponeva sfilate di vestiti ma proponeva show che coinvolgevano i buyer e gli specialisti del settore e come lui stesso disse “I use things that people want to hide in their heads. War, religion, sex: things we all think about but don’t bring to the forefront. But I do and I force them to watch it”.

La mostra è un capolavoro che coinvolge lo spettatore e riprende la mostra già realizzata al Metropolitan Museum di New York nel 2011.

Savage Beauty è in mostra al Victoria & Albert Museum fino al 2 agosto, se vi capita l’occasione di fare un giro a Londra non perdetevi questa opportunità.

For a couple of weeks, it’s already been possible to appreciate the exhibition dedicated to the “rebel genius” of Alexander Mcqueen. The exhibition is called “Savage Beauty” and it retraces the carrier of the designer trough the most iconic pieces of his collections. Chosing each piece was really difficult, considering that Alexander Mcqueen has 19 years of runways and numerous works behind, but the curators Claire Wilcox and Andrew Bolton managed to hit the target: as a matter of fact, they showcased 100 pieces from Givenchy’s and Alexander Mcqueen’s files.

The items of clothing come from different collections, as example from the one showcased in F/W 2009, called “The Horn of Plently Dress”, where the dresses were characterised by strong colours, mostly tonalities of red, white and black. The pieces were modelling around a tip and it looked like the models were some unreal and monstrous creatures. Another collection which really made a sensation is called “VOSS”, back in S/S 2001, during which the models walked the runway in a cube made of glass, and they looked like they were shut in an asylum; the models, wearing ripped clothes, almost looked like patients. The runway show ended with the opening of a dirty cube of glass, which was inside the other cube of glass, from which insects and moths were flying out, while a naked full-figured woman was laying there, with her face covered by an antigas mask. The show revoked a photo of Joel Peter Witkin.

Alexander Mcqueen not only offered runways, but also fashion shows which truly engaged the buyers and the specialists of the sector and as he himself once said: “I use things that people want to hide in their heads. War, religion, sex: things we all think about but don’t bring to the forefront. But I do and I force them to watch it”.

The exhibition is a masterpiece which easily engages the viewer, using the exhibition previously showed at the Metropolitan Museum of New York in 2011 as a starting point.

Savage Beauty is showed at the Victoria & Albert Museum until the 2nd August: if you are going to be in London, don’t lose this opportunity.

Edgar Bejar Vargas

Prada: a romantic obsession

Alla fotografa e direttrice di L.A. Autumn De Wilde è stato recentemente chiesto di scrivere e dirigere cinque cortometraggi, ispirati dalla storia - e dalla bellezza -  della borsa Galleria di Prada, una delle borse più iconiche del brand italiano (il nome deriva dalla Galleria Vittorio Emanuele II, dove venne aperto il primo negozio Prada nel 1913). Prada mirava ad uscire dalle tipiche pubblicità, normalmente offerte dagli altri brand, che tendono a focalizzarsi unicamente sul prodotto, dando un taglio più cinematografico. Questo è proprio il motivo per cui è stata data carta bianca ad De Wilde.

Prada e De Wilde subito concordarono che era fondamentale dimostrare quanto glorioso possa essere possedere una borsa di Prada, piuttosto che dipingerlo come un club al quale non è possibile accedere. La serie è chiamata "The Posteman Dreams" ed è divisa in cinque cortometraggi: "The Posteman, The Makeout, The Battlefield" - che sono già stati rilasciati -"The Tree e The Laundromat". Fino ad'ora, i cortometraggi sono stati incentrati sulla figura del postino, ispirata da icone come i fratelli Marx e Charlie Chaplin. 

Più che delle pubblicità, i video sembrano una storia d'amore: il messaggio che il direttore voleva trasmettere è molto chiaro. Una borsa, in particolare una Prada, può essere molto di più che un semplice accessorio. De Wilde ha analizzato la relazione, il coinvolgimento tra il prodotto effettivo e il cliente, che non è semplicemente collegato in modo materialistico al prodotto. I video mostrano, infatti, quanto sia sottile la linea fra un'ossessione e un autentico valore sentimentale. Un altro argomento fortemente presente nei cortometraggi è l'individualità; personaggi diversi sono diversamente connessi alla borsa. "Volevo che ci fosse una varietà di personaggi, che potessero trasformare una borsa per i motivi più disparati", ha detto De Wilde. Per il bambino nel video "The Battlefield", una borsa Galleria verde diventa lo sfondo per una guerra tra i suoi soldatini giocattolo e i gioielli di sua madre. "Mi piace ricordare alla gente che l'ossessione per degli oggetti esiste in diverse maniere", ha aggiunto il direttore. 

I video presentano una chiara influenza surrealista, enfatizzata dalla musica (suonata dal gruppo The Blasting Company), che connette i diversi cortometraggi, creando un'esperienza a dir poco unica.

The L.A. based American photographer and director Autumn de Wilde was recently asked to write and direct five shorts, inspired by the story – and beauty – of the Prada Galleria Bag, one of the most iconic bags by the Italian brand (the name derives from the Galleria Vittorio Emanuele II, where the first Prada shop was opened in 1913). Prada was aiming to break from the traditional advertisements usually offered by the other brands, which tend to focus on the product only, by giving the shorts a more cinematographic cut. That’s exactly the reason why de Wilde was given a blank page. 

They agreed it was important to show how glorious it is to own a Prada bag rather than making it seem like a private club you can’t get into. The series is called “The Postman Dreams” and it’s divided into five shorts: “The Postman, The Makeout, The Battlefield”- which were already released – “The Tree” and “The Laundromat”. So far, the shorts are centred around a Postman as the main character, inspired by icons like the Marx Brothers and Charlie Chaplin. 

More than advertisements, the shorts look like a love story: the message that the director wanted to convey it’s really clear. A bag, particularly a Prada, can be so much more than a simple accessory. The director analysed the relationship, the engagement between the actual product and the customer, who is not simply bound materialistically to the product. The videos show, indeed, how subtle the line is between an obsession and authentic sentimental value. Another topic strongly present in the shorts, is individuality: different characters have a different connection to the bag. “I wanted to have a variety of characters who could transform a bag for different reasons”, said de Wilde. For the kid in the short “The Battlefield” a green Galleria bag becomes the stage for a war between his toy soldiers and his mother’s jewellery. “I like reminding people that obsession over objects exists in different ways”, the director also added.

The videos present a very clear surrealist influence, emphasised by the music (played by The Blasting Company), which connects the different shorts, creating a one of a kind experience.

Alessandro Borin

FASHION REVOLUTION DAY 2015

Si terrà venerdì 24 aprile 2015 il progetto Internazionale “Fashion revolution day”: non una data qualunque, dal momento che ricorre la commemorazione delle vittime della strage di Rana Plaza in Bangladesh,nella quale nel 2013 morirono 1133 operai che si occupavano della produzione di indumenti per marchi di moda noti.

In un tale contesto i partecipanti sono invitati a chiedersi: “Chi ha fatto i miei vestiti?”.


Per partecipare all'iniziativa è richiesto di indossare abiti con etichetta in vista, fotografarsi e condividere le foto attraverso i social networks, utilizzando l'hashtag #whomademyclothes. Inoltre si invita ad inviare gli scatti realizzati ai grandi marchi della moda,pubblicando le risposte ottenute sul sito www.fashionrevolutionday.org.


Si prevede saranno 69 i Paesi coinvolti quest’anno dall’iniziativa,in seguito all’adesione di massa dell’anno precedente,nella quale sono state raggiunte decine di migliaia di persone e tra i personaggi che quest'anno si faranno immortalare con l'etichetta in vista ci sono anche il creativo Elio Fiorucci,l'attrice Domiziana Giordano,il tenore Noah Steward, il maestro Bernardo Bertolucci e altri ancora.

Obiettivo conclamato è quello di lanciare un messaggio di giustizia e sostenere tutte quelle aziende che si mobilitano per diffondere il commercio equo-solidale.


E’ necessario quindi sensibilizzare tutti i partecipanti nei confronti di un’iniziativa dai chiari contorni etico-sociali,affinché si possa diffondere a macchia d’olio lo slogan: WHO MADE MY CLOTHES?



Il Fashion revolution day,nato in Gran Bretagna grazie all’iniziativa di Carry Somers e Orsola De Castro,in Italia é coordinato dalla stilista Marina Spadafora, la quale si avvale della preziosa collaborazione di Virginia Pignotti,Laura Tagini e Carlotta Grimani. Il tutto sostenuto da Altromercato e Botteghe del Mondo.

Contatti per partecipare e condividere le proprie foto:
web: www.fashionrevolution.org
facebook: www.facebook.com/Fashionrevolutionitalia
twitter: @Fas_Rev_Italia
#FashRev #whomademyclothes

On April 24, it’s taking place the international project "Fashion Revolution Day": the date it’s not ordinary, since it is the commemoration of the victims of the massacre of Rana Plaza in Bangladesh , where, in 2013, 1,133 people , who worked there on the clothing production for many famous fashion brands, have died.

In the contest participants are invited to ask their self one simple question: “who made my clothes?”. In order to be part of the project you have to wear your clothes reversed, with the labels in plain view, take a picture of your outfits and share it on social networks, adding the hashtag‪#‎whomademyclothes‬. You are also invited to send your outfit pics to the fashion brands and share their answers on www.fashionrevolutionday.org.

More or less 69 countries are expected to be taking part to this project, thanks to the mass participation to last year’s same event, that was attended by more than ten thousand people. Some of the big-names who will enjoy this year’s initiative and will be captured with the label clearly visible are the creative Elio Fiorucci, the actress Domiziana Giordano, the tenor Noah Steward, the director Bernardo Bertolucci and many others.

The purpose is to launch a message of justice and to support all those companies that are fighting for a fair trading. It’s therefore necessary to sensitise all the participants towards an initiative with clear ethical -social outlines, in order to have the slogan: “WHO MADE MY CLOTHES?” spreading like wild fire. Fashion revolution day was born in Great Britain thanks to the initiative and effort of Carry Somers e Orsola De Castro, in Italy it’s coordinated by the designer Marina Spadafora, who collaborates with the valuable Virginia Pignotti, Laura Tagini and Carlotta Grimani; the whole project is also supported by Altromercato and Botteghe del Mondo.

Contacts to participate and share your own pictures:
web: www.fashionrevolution.org
facebook: www.facebook.com/Fashionrevolutionitalia
twitter: @Fas_Rev_Italia
‪#‎FashRev‬ #whomademyclothes

Francesca Bordignon